Ishikawa Prefectural Solicitation Laboratory, colored and gold vase with binaural ears

explanation of the work

At the beginning of the Meiji period, kutani was asked to improve the quality to meet the demand from Europe and the United States. The target of improvement was aimed at a technique for making body and paint.

First of all, the body was improved to be whiter and smoother at this Laboratory which was a base for research and development of technology of kutani at that time. From this work, it is clear that such improvement was completed.

size: diameter about 10 cm, width about 16.8 cm, height about 26.4 cm

Next, the paint was also improved. Kutani Shoza used Western paints to export “Japan Kutani” products made by “colored brocade”, but what was required to exhibit at the Expo was to develop colors similar to Japanese paintings. For this target, this Laboratory improved Western paints and could pull out the neutral colors seen in Japanese paintings without being bound by the traditional kutani five colors that continued since the Edo period, and finally developed the paints that was compatible with the body of kutani. This work is drawn in the paints different from the traditional kutani five colors.

After that, based on the Western paints improved at this Laboratory, the paints continued to be studied by master craftsmen themselves, and their own neutral colors were created and Meiji kutani was produced using these paints.

At the Expo held in the early Meiji period, large vases and incense burners with binaural ears (decorations such as vases attached to the sides of the body like ears) were exhibited, and they were exported as ornaments. It became one of popular export products. In this work, phoenix-shaped binaural ears are attached to the body, and it can be seen in this work that baking of the body with simple binaural ears was also carried out at this Laboratory. After that, it became possible to export large vases and incense burners with elaborate ring-shaped binaural ears or crafted lion-shaped or dragon-shaped binaural ears.

The back name is rewritten in blue and white as “made by Ishikawa Prefectural Laboratory”.

explanation of creator

Ishikawa Prefectural Laboratory

1874-1890

Although the period of this Laboratory activities was short, it played a major role as an experimental and educational institution for improving the quality of kutani. As a result of the continuous improvement by this Laboratory, the works made by this Laboratory reached a high level where domestic exhibitions could be exhibited. The best example of the high level is that at the 1st National Industrial Exhibition held in Tokyo in 1887, an award was given to a work made by this Laboratory along with the works of master craftsmen or big pottery merchants such as Watano Genemon (father of Watano Kichiji 綿野吉二), Abe Oumi (阿部碧海), Ennaka Magohei (円中孫平), Sasada Yuzan (笹田友山) and Asai Ichimo (浅井一毫).

The reason why this Laboratory were able to achieve a high quality is that, in addition to the financial support of Ishikawa Prefecture, potters such as Fujioka Tojiro (Iwahana-do 岩花堂), Matsuda Yohachiro, and Wazawa Ganzan, painters such as Kodera Chinzan (小寺椿山) and Akamaru Setsuzan (赤丸雪山) were involved in the operation of this Laboratory. The result is that the first Suda Seika (須田菁華) and Akiyama Komajiro (秋山駒次郎), who later became known as master craftsmen, were trained as painter. However, this Laboratory was closed in 1890 because it achieved its original target.

 

reference No. 1806061
date of exhibition October 6, 2019
price J¥7400
remarks

Abe Oumi and Matsumoto Sahei, colored, gold saucer with six pairs of phoenix

explanation of this work

A painting factory Abe Oumi Kiln (阿部碧海窯) run by Abe Oumi (1841-1910 阿部碧海) requested to be painted by Matsumoto Sahei (松本佐平or佐瓶). Probably, this work was a saucer for demitasse cup, but even saucer is excellent in design with 6 pairs of phoenix in bright five colors and gold, drawing a pattern on the back in five colors and gold. It was a novel work in 10s of the Meiji period.

Size: width about 11 cm  height about 1.6 cm

On the yellow base, a pair of phoenix facing each other are drawn in green, blue, and purple, and three pairs in gold. And the pattern of red and gold is sandwiched between the phoenix and it is colored with the traditional kutani five colors as a whole, but the color tone is like Meiji kutani with the addition of gold. Perhaps when picking up cup, butterflies with spread wings could be seen. That would be an interesting taste.

A strip-shaped pattern is drawn with a width of about 1 cm, using green, purple, yellow, and blue along the rim of the back side, and two red lines are circulated around the foot. The connected uneven patterns are also drawn in gold. It is very elaborately decorated.

The back name is written as “made by Abe of kutani / painted by Shoun-do”. Matsumoto Sahei received “go” (store name号) of “Shoun” from a Japanese painter and his teacher Tokuda Kansho of Kanazawa in 1878 and after that used it as the store name. Since the Abe Oumi kiln was closed in 1880, probably this work was produced between 1878 and 1880 by Abe’s asking Matsumoto Sahei to create it.

explanation about the producer

Abe Oumi Kiln 阿部碧海窯

1869-1880

Abe Oumi Kiln was opened in 1869 by Abe Oumi who started up to give jobs to old samurais at the end of the Edo period. He built five painting kilns and painting factory in his own mansion in Kanazawa, but they were closed in 1880.

The painters who had studied Japanese painting belonged to this kiln, including Utsumi Kichizo (内海吉造), Toda Tokuji (任田徳次), Iwanami Gyokuzan (岩波玉山), Kodera Chinzan (小寺椿山), Haruna Shigeharu (春名繫春), Sasada Yuzan (笹田友山),Tsuda Nanfu (津田南阜), Shimizu Seikan (清水清閑), Iiyama Katei (飯山華亭). The total of more than 80 people were engaged.

This painting factory opened branches of sales in Nagasaki and Kobe, and expanded its sales channels with the cooperation of pottery merchant Ennaka Magobei (円中孫平). The main products were exports such as cups and saucers, food plates and confectionery plates. It is said that the products exhibited at the Vienna World’s Fair in 1873 gained fame and therefore many business partners. However, this kiln was involved in trading troubles and had to be closed in 1880. The painting kiln and factory were inherited by a chief of this factory Utsumi Kichizo.

explanation about the painter

Matsumoto Sahei    Shoun-do 松本佐平 松雲堂

Matsumoto Sahei used “Shoun-do” as the shore name.

His early style of painting was to draw people in detail, and he painted them with red, brown, black and dark red, and added gold. This is said to be the beginning of aka-kutani by Sahei, and this style of painting received high praise overseas, and Sahei’s aka-kutani became an important export product.

In 1885, he completed the technique of two times baking. He overpainted with red and black glaze and baked it once, and after decorated it with gold, he baked again. He cut off the base into several panels and drew flowers, birds and mountain water in them. It is said that its precision was described as “as if the embroidery of brocade thread on the fabric”. In this way, Matsumoto received high praise as a master craftsman in both aka-kutani and ao-kutani, but around 1893, he established “Shoun-do style” that fused the two styles. It became the most praised style.

 

reference No. 2006071
date of exhibition July 20 2020
price J¥8700
remarks

 

内海吉造 松齢堂陶山 色絵罌粟図唐草文鑼鉢

作品の解説

赤絵金彩や金襴手が目立つ明治九谷においてよく描かれた花鳥図や人物図でもないこの作品の図案には興味が引かれます。金沢の民山窯の陶画工であった鍋屋吉兵衛を父に持つ内海吉造が選んだモチーフは、古九谷に見られる罌粟(ケシ)図(下段左の画像;石川県立美術館蔵「古九谷青手罌粟図平鉢」)であり、その図案を民山窯の作品(下段右の画像;鶏声磯ヶ谷美術館蔵「武田民山 色絵割取人物山水図蓋物」の内側部分)に見られる構図に当てはめたように思われるからです。

基本となる文様は唐草文と“網目に小紋”ですが、さらに図案化された罌粟の花やケシ坊主などが描かれ、いずれも五彩の絵の具で色彩豊かに絵付されています。

サイズ;径 約21㎝ 高さ 約5.2㎝

罌粟(ケシ)の花を上から見て、赤く塗った花びらを唐草文に仕立て、見込み中央のおしべから縁に向け伸ばし大きくしながら描いています。さらに花びらが落ちた後も考えて、群青で塗ったケシ坊主も加えられ、地紋には黄の小紋が緑の網目にはめ込んで描かれています。

このように、絵の具は黄、緑、群青、紫、赤の五彩ですが、九谷五彩では赤と群青が補色であったのと違い、この作品が明治九谷のため、やはり赤を多く使い、さらに赤の上に金彩で唐草文も描かれています。

大きく伸びた唐草文の花びらは見込みから鑼鉢(どらばち)の縁を超えて側面まで続き、高台まで伸び、“網目に小紋”が裏表の地紋として埋め尽くされています。こうした計算し尽されたような描き方には制作者の卓越した巧みさが感じられ、明治九谷の特色の一つとされる図案の緻密さ、細密さがここに見られます。

銘は四角い枠の中に「松齢/陶山/堂印」と朱赤で書き入れられています。内海吉造の屋号は「松齢山陶山」ですが、「松齢堂北秀」と銘の入った作品が見られることから、「松齢堂」を為絢社という絵付工場の屋号として使ったと思われます。

作品の制作者

作品の制作者につきましては「内海吉造の作品と陶歴」を検索してください。

 

管理№ 202104301
展示開始年月日  2021.5.24
希望価格 20000円
備考 共箱付き

内海吉造の作品と陶歴

内海吉造の作品

陶山製 金襴手牡丹に雀図皿

表の面一杯に、雀が牡丹の周りを飛び交う、いわいる“牡丹に雀”の図案が赤絵で描かれ、その背景が明治10年頃から流行った“石目打ち”(空白を細かい点の石目で埋める技法)で飾られています。(続く)

 

 

松齢堂陶山 色絵罌粟図唐草文鑼鉢

金沢の民山窯の陶画工であった鍋屋吉兵衛を父に持つ内海吉造が選んだモチーフは、古九谷に見られる罌粟(ケシ)図(下段左の画像;石川県立美術館蔵「古九谷青手罌粟図平鉢」)であり、(続く)

内海吉造の陶歴

天保2年(1831)生、明治18年(1885)歿

内海吉造は、祖父が再興九谷の吉田屋窯で活躍した鍋屋 丈助、父が民山窯の赤絵の陶画工として活躍した鍋屋 吉兵衛でした。幼少より父から色絵、赤絵金彩を学び、さらに、絵画を狩野派絵師 佐々木 泉龍から学びました。そのとき、「松齢」の号を賜りました。

江戸の末期から作陶活動を始め、後期の小野窯で絵付を行ったこともあり(当時の名 鍋屋栄吉)、また、慶応3年(1867)、加賀藩の殖産興業のために卯辰山山麓に開かれた藩窯「陶器所並陶器竃」に任田 徳次とともに従事しました。

明治期に入ると、明治2年(1869)に阿部碧海窯(絵付工房)の絵付工場長に就きました。ここからは岩波玉山、春名繁春、八木甚作ら後の名工となった陶画工が輩出されました。明治13年、この工場が閉ざされると、錦窯を引き継いて、絵付工場である為絢社を設立しました。ここでは門人となる友田安清(九径)を養成しました。

為絢社

明治13年(1880)~明治16年(1883)

為絢社は、明治13年(1880)、阿部碧海窯の絵付工場長であった内海 吉造がその錦窯を引き継いで設立された絵付工場です。内海吉造は、阿部碧海窯の卸先であった円中孫平、松勘商店、鏑木商舗、谷口金陽堂などの金沢の陶器商人から注文を請けて、多くの優品を内外に送り出しました。

明治12年(1879)頃から洋絵の具が本格的に使いはじめられると、人物、花鳥、山水などを多彩な色で描いた作品が制作されました。特に、斎田道開(伊三郎)が創めたとされる“百老手”をモチーフに作品を制作したところ、人気を博し、為絢社の代表的画風となりました。背の高い唐人物を無数に並べて描き、衣の文様を洋絵の具で様々に彩り、金線を加えました。金溜め(渋みと艶やかさを兼ね備えた金色に近い溜(ため)色)とし、その地にも工夫が加えたことから評判となりました。

制作者不詳 倣古九谷観梅人物図変形鉢

作品の解説

この作品の制作者は、赤絵、金襴手が盛んな明治期において、古九谷を思慕する陶画工の一人であったとみられ、古九谷のある作品に倣ってこの五彩手の作品を制作したと考えられます。真っ白な見込みには複雑にからんだ枝につけた紅梅、それを観て何かを思っている人物が描かれています。このような古九谷風の再現は、絶えることのなかった古九谷への思慕によったと考えられます。

サイズ 横幅 約37.7cm 縦幅 約27.5cm 高さ 約5.7cm

この台鉢は松皮菱(まつかわびし)と呼ばれる形をしていて、菱型の見込みには、中国・明時代後期に刊行された「五言唐詩画譜」を絵手本に使い制作された古九谷の作品かのように、まるで文人を思わせるような衣服をまとった人物が、頭上に張り出す梅の枝に咲く満開の花を観ながら、何かを思っている姿、その人物が立つ地面に植えられた灌木などが黄、群青、緑、紫、赤の九谷五彩で色彩豊かに描かれています。

また、見込みの周囲の縁文様にもやや大きな紗綾文と七宝文が互い違いに五彩で描かれ、その間には花と吉祥文がやはり五彩で描かれています。これもまた、赤絵や金襴手の明治九谷にはない古九谷に倣った描法と思われます。

台鉢の真っ白な裏面には大きな緑の葉が高台の外側を一周して描かれています。その高台は高め(約2.6cm)のもので、高台の外側に古九谷に見られる凹凸文が繋げて描かれています。

銘は塗りつぶされた二重角に「福」の字です。明治期の銘は、制作者の屋号・名前、「大日本九谷」「加賀九谷」などがよく見られましたが、この作品の制作者は古九谷の画風や文様の使い方を研究していくうちにこの二重角に「福」の字を書き入れたと考えられます。

作品の制作者 不祥

吉田屋窯が江戸時代末期に古九谷の青手を再現しましたが、五彩手は明治に入ってから再現されました。明治期に倣古九谷の作品を制作した陶画工には、九谷五彩の絵の具を探求した初代 德田八十吉、古九谷写しを模索した二代 八十吉、初代 三ツ井為吉、初代 松本佐吉らの名工が中心となり、明治九谷の一つのジャンル“青九谷”を築きましたが、この作品の制作者のように、名前不祥のまま“青九谷”を製作する陶画工が多くいたと考えられます。

 

管理№ 18081809
展示開始年月日  2019.9.27
希望価格 13800円
備考 保存木箱付き 作品に小さな欠けがあります

制作者不詳 金襴手網の手瓔珞文金魚図鉢

作品の解説

鉢の内側に描かれた網の目は縁から見込みにかけ、だんだんと細かくなっていき、グラデーションしているように見えます。この技巧は“網の手”と呼ばれ、佐野九谷の祖 斉田伊三郎(道開)によって創められ、明治九谷に見られるいくつかの高度な技巧の一つといわれます。その後、この技法は斉田伊三郎の門人あるいはその二代目くらいまでは引き継がれましたが、あまりに難しかったので、後継者が途絶えてしまいました。

この作品が収められている箱には「宮本屋窯/網に金魚図」と書かれていますが、宮本屋窯の画風は中国風の高尚な赤絵細描画を小紋などで埋め尽くして描く“八郎手”と呼ばれるもので、この作品が伝世されるうちに、その見事な赤絵細描から「宮本屋窯」の作品と箱書されたと考えられます。

サイズ 径 約18.7cm 高さ 約7.3cm

金魚と網の図案はごく普通に見られると思われがちですが、細かな網の目を描きその中で数匹の金魚が泳いでいるかのように描くのは技巧のいるとされ、それに加え、赤い地の上に金魚が金で塗られ、鱗も尾ひれも細い線で引かれているところは見事です。“網の手”の図案は金魚のほかに、網の中の水面に浮かぶ紅葉を描いたものもあり、また網の外で金魚が泳いでいる図案もあります。

この作品でもう一つの見どころは。外側の側面を巡らせている赤玉瓔珞文で、赤玉文と瓔珞文とが組まれて描かれていることです。古くから、いずれの文様も吉祥文として使われてきましたが、瓔珞文が焼き物の文様に使われるようになったのは江戸時代からといわれ、明治九谷では佐野赤絵に取り入れられ始めました。それは、赤が魔除けの意味があり、赤で瓔珞文を描くことによって当時流行った疫病鎮静の願いを込めたからといわれます。

銘は赤で塗りくぶされた枠の中に「九谷」の文字が書き入れられています。この方法は江戸末期から見られ、明治九谷も見られます。陶画工が自分の名前を銘として書き入れるようになったのは九谷庄三からといわれ、同じ時代の斉田伊三郎のような名工であっても自分の銘を入れることがなく、角「福」や「九谷」などでした。

作品の制作者 不祥

この鉢の制作者は定かではないのですが、“網の手”と“赤玉瓔珞文”を描けるだけの技巧を持ち合わせた陶画工(名工)は斉田伊三郎か、その門人の一部であると思われます。この作品の銘の入れ方と考え合わせると、一番に想定されるのが斉田伊三郎ですが、ほかには斉田伊三郎の門人の一人で“網の手”で優れた作品を制作した初代 富田松鶴が想定され、富田松鶴が師の創めた“網の手”と“赤玉瓔珞文”を描いたこの作品に、自分の銘を入れることを憚ったと類推されます。

 

管理№ 1810111
展示開始年月日 2020.6.13
希望価格 検討中
備考 保存木箱付き

富田松鶴 金襴手網の手金魚図鉢

作品の解説

鉢の内側と外側には張り巡らせた網の目が下に行くほどだんだんと細かくなっていくように描かれています。この繊細で技巧のいる描き方は佐野赤絵の祖 斉田道開(伊三郎)によって考案され、“網の手”と呼ばれました。それは斉田道開の門下によって受け継がれ、門人によって”網の手”にも変化がありますが、この”網の手”が得意とされた 初代 富田松鶴が制作したものです。明治九谷の赤絵細描において一つの画風を築きました。

サイズ 口径 約11.8㎝ 高さ 約7.2㎝

鉢の内側を上から見ると、四匹の金魚が網の中で泳いでいるかのようで、網の目が底に行くほど細かくなり、真ん中の金襴の紗稜文のところで網がまとめられているようで、巧みな構図です。

こんどは横から見ると、やはり網の中で四匹の金魚が泳いでいる様子が描かれています。金魚図にも巧みな筆さばきが見られ、金襴で描かれた金魚のうろこ、尾ひれのすじ模様、小さな可愛い黒目などが細描されています。

銘は「九谷/松鶴堂/七十五翁筆」と書き入れられています。斉田道開の他の門人の中にも、七十歳を超えたことを寿ぐようにこうした書き入れをした門人がいます。門人の一人であった初代 橋田与三郎も「加賀/九谷/七十六翁/与三郎」と書き入れています。斉田道開が明治元年七十四歳で亡くなっていることと関係があるようです。

作品の制作者 初代 富田松鶴(三郎平)

弘化4年(1847)生、大正14年(1925)歿

初代 富田松鶴は、斉田道開の門人となり、その後、慶応3(1867)年に独立して陶画業を始め、松鶴と号しました。特に、斉田道開の”網の手”を受け継ぎ、それを取り入れた赤絵が優れているといわれ、他にも赤絵小紋の平鉢、蓋物、湯呑、青粒を取り入れた壺、金襴手などに傑作を残しました。この初代の画風は二代 松鶴(栄作)に受け継がれました。

 

管理№ 2104081
展示開始年月日 2021.5.8
希望価格 17800円
備考

米田五三郎 色絵金彩恵比寿図皿

作品の解説

五枚の皿に描かれた恵比寿様からは顔の表情や全体の姿に親しみが感じられます。当時、北前船によって商売繁栄がもたらされると考えられた加賀国では、殊の外、恵比寿様が漁業や商業の神様として信仰され、九谷焼の置物、飾り皿、酒器、銘々皿などに“おめでたい縁起物”の題材として取り上げられてきました。

サイズ 径 約14.9~15cm 高さ 約3~3.1cm

恵比寿様は“恵比須顔”でも知られた神様ですが、“おめでたい縁起物”の題材として取り上げた陶画工たちは“恵比須顔”に仕上げるのに苦労したといわれます。顔の表情、福耳、鯛を手にして釣竿や魚籠(びく)を担いだ姿から、いかに福々しさが感じられるかに苦心したといわれます。

米田五三郎の描いた五枚の恵比寿様の表情を見ると、恵比寿様の顔の表情が丁寧に描かれ、それだけに一枚一枚を見ていると面白くなります。

この作品で興味深いのは、立体的な白い波文様です。恵比寿様の足元に打ち寄せる小波は盛り上げて描かれ、皿の縁の三か所にも波の文様も同じで、いずれも白い絵の具(白盛)で盛りあげています。明治26年(1893)名工の友田安清が開発した白の顔料“白盛”によって素地や周りとの微妙な色あいの違いが表現できるようになったといわれます。

銘は「九谷/米田」と書き入れられています。このほか「九谷/米田製」「大日本九谷造/米田画」などがあります。

作品の制作者 米田五三郎

生年歿年不明

米田五三郎は、明治初めには寺井根上村の陶器商人でした。工芸品として有名になった八幡の置物を広く販売したことから八幡の窯元から信頼され、次第に九谷焼の花器、香炉なども扱うようになりました。

ある記録によれば、明治21年、荒木探令(狩野派画家)、山本光一(江戸琳派の絵師)が招かれて、九谷焼の画法の改良を促し、技術水準の向上を図るための指導が行われたとき、亀田山月、初代 須田菁華らとともに参加したことがわかります。このことから、米田五三郎が九谷焼の制作に係っていたことがうかがわれ、明治40年(1907)に米田陶香堂を創設し、広く九谷焼の製造販売を手がけるようになりました。

米田陶香堂

1907年(明治40年)創業してから現在に至るまで、九谷焼の製造・販売を続けています。ただ、置物、花器、香炉などを製造し販売した時期もありましたが、現在は置物の専門窯として事業を続けています。

 

管理№ 19031503
展示開始年月日 2020.5.24
希望価格 6700円
備考 保存木箱付き

矢口永寿 赤絵染付小魚図盃一対

作品の解説

共箱に“雅聚盃”と書かれているとおり、矢口永寿が京の都会的な文化に触れ,繊細で鋭敏な感性が育まれたことから、呉須赤絵と染付の二つの盃からは優雅な,そして洗練された美しいさが漂っています。京風の作風が自然と出ていて“雅”溢れる二つの盃が“聚(あつ)められた”一対となっています。

サイズ

呉須赤絵の盃 口径 約6.5cm 高さ 約2.6cm

染付の盃   口径 約6.2cm 高さ 約2.7cm

一つの盃は真っ白な見込みに鮮明な赤と緑で小魚と水草が呉須赤絵風に描かれています。呉須赤絵が得意であった永楽和全の影響を受けた陶画工が制作したと思われ、京の洗練さがこの作品に現われています。また、側面にはたゆたうような水草の間を泳ぐ小魚が鮮明に描かれ、陶画工が川の流れの中を描こうとしているようです。

もう一つの盃の見込みに染付で数匹の小魚が描かれ、小魚の姿も繊細で、その敏速な動きが伝わってきます。染付の優れた画工によって制作されたと思われます。

表の鮮明な描き方とは違って、裏の高台内には「大明成化年製」と染付で書かれ、この銘は文化人や茶人が憧れた中国陶磁器に倣ったようで、中国磁器への憧れがそうさせたように思われます。

作品の制作者 矢口永寿

明治3年(1870)生、昭和27年(1952)歿

初代 矢口永寿(号は清々軒)は生来の器用人で、書画骨董にも通じていた人といわれます。若いころ大阪へ出て各地を廻り、帰郷後、黒谷焼という楽焼を始めました。そして、明治37年(1904)、永楽和全の高弟 初代 滝口加全を迎えて永寿窯を開き、京風の陶磁器を作ることを始めました。

しかし、矢口永寿自身は陶土に触れることもなく、絵筆もとらなかったといわれ、京、能美、金沢から招かれた多数の陶工や陶画工に自らの趣向を示して制作を依頼しました。こうした永寿窯の作品の質は常に高いものでしたので、矢口永寿を九谷焼の名工と称するようになりました。その後、永寿窯は初代の作風を二代、三代の永寿(共に昧渓(まいけい)と号した)が踏襲し、九谷焼では珍しい茶道具を制作したので、二人は茶道具の名工とも呼ばれるようになりました。

 

管理№ 19032503
展示開始年月日 2020.2.20
希望価格 6500円
備考 共箱付き

八木甚作 金襴手牡丹草花図皿

作品の解説

“牡丹と草花”が皿一面に金襴手で描かれ、縁は文様で飾られています。牡丹の背景を石目打ち(細かい点描)で埋めています。構図的には師であった内海吉造作の「金襴手牡丹に雀図皿」によく似ています。

サイズ 幅 約20.8cm 高さ 約2cm

上から垂れ下がる枝の下には、大輪の牡丹とその周りを囲む草花が描かれています。目を引くのは、黒または濃い灰色の葉の上から金で葉脈が細描されていて、赤でも落ち着いた感じを与えてくれるため、赤や金で絵付された華やかな作品とは異なるところがあります。

この皿の大きさでは裏面に図案や文様が描かれることは珍しいのですが、この皿では簡略された七宝文が一回りしています。七宝文の意味と重ね、人々との繋がりを大切にした制作者の気持ちが込められているようで、屋号「開匠軒」(後述)と合わせて意味のある文様です。

銘は「九谷/開匠軒甚作製」と書き入れられています。この屋号は金沢で修業した後、能美粟生村に戻ってからつけたといわれ、近隣の子弟に陶画を教えるために窯を開き、自分の技術を惜しげもなく教えたといわれますから、八木の匠としての情熱がうかがわれます。

作品の制作者 八木甚作

嘉永2年(1849)生、明治39年(1906)歿

八木甚作は、文久3年(1863)、15才のとき、粟生村の市川嘉右衛門に陶画を学び、後に金沢に出て内海吉造の下で画風の改良を研究し、一方で内海の高弟といわれるまでになりました。ほかに書、日本画を学びました。

明治6年(1873)、寺井粟生村に帰り、窯を開いて開匠軒と称しました。そこで陶画工を育てたので、明治中期以降、八木の門弟らによって佐野の赤絵系と金沢の画風がその村で盛んであったといわれます。

 

管理№ 19103111A
展示開始年月日 2020.5.21
販売価格 売却済み
備考 購入者のご厚意で画像を掲載しています